Auteur/autrice : SweetCoquelicot

Ah, the great debate: digital illustration or traditional illustration? It’s a bit like asking whether you prefer tea or coffee, a bike or a car… everyone has their own little preferences, but the truth is that both have a lot to offer. As an illustrator, I’ve tried both approaches, and I love switching between my tablet and my brushes. So, let the battle begin.

What are the pros and cons of digital illustration?

You might think that digital illustration is a bit “lackluster” compared to the textbook. And it’s true that the experience isn’t the same. But what freedom and flexibility it offers in the creative process!

The benefits of digital illustration:

• Zoom in as far as you want and pick out microscopic details.
• Tap “Clear” and start over without panicking (let’s face it, it sometimes saves your drawings!).
• Test 10 versions with different colors without wasting a single drop of paint—and it's so easy.
• Play around with symmetry in just two clicks (though doing it by hand is a whole different story…).
• And above all, taking my iPad with me everywhere I go, like a magic notebook.

The drawbacks of digital illustration:

• Despite Procreate's hyper-realistic brushes, sometimes they lack the grain, texture, feel, and authenticity of a real brush.
• The technique is different, too: you “glide” rather than paint, and that changes the feel of the creative process a bit.

What are the pros and cons of gouache illustration?

And what about gouache? Is it outdated? Oh no, far from it. It has that timeless charm that always brings me back to the basics.

The advantages of gouache illustration:

• It's so enjoyable to work with real materials—dipping the brush, mixing colors. It's a true sensory delight.
• No screen: just me, the paper, my brushes, and my gouache—sometimes with a little TV show playing in the background (“Friends” forever) or a podcast in my ears.
• Each illustration is unique: painting the same flower five times will result in five different flowers, thanks to the brushstrokes, textures, and little “imperfections” that give gouache its charm.

The disadvantages of gouache illustration:

• You can't zoom in; you choose your format at the start and then experiment with brush thicknesses. Tiny details can be difficult to draw.
• It takes more time: preparation, drying, mixing to get the right colors, cleaning the equipment… it’s a real process.
• It's not always convenient to carry around, unlike a tablet.

My Choice

So, digital or manual? For me, the answer is simple: both!

I love to mix it up and combine the two. Sometimes I start with a digital sketch, just to quickly jot down my ideas. Then I switch to gouache to bring them to life with texture and color.

And sometimes it’s the other way around: I paint flowers with gouache, then scan them to turn them into an all-over pattern using digital tools. It’s this blend that inspires me: the precision of the digital and the warmth of the handmade. Together, they open up an almost infinite creative realm. Ultimately, there’s no “best choice.” What matters is experimenting, finding the medium that resonates with us… and above all, having fun!

Digital illustration of a blue jay created in Procreate

Digital illustration of a blue jay created in Procreate

Patterns are an integral part of our daily lives: on our clothes, in our home decor, on stationery, and even on the accessories we use every day. But why take the time to add a pattern to a product? Quite simply because a pattern transforms the ordinary into the extraordinary: it tells a story, defines a style, and gives the object a unique identity. My personal goal as a pattern designer is to brighten up your day with cheerful, energetic patterns.

In this article, I’ll explain which products you can apply a design to, whether it’s possible to put one on everything (spoiler alert: almost!), and I’ll also share my personal picks along with some practical tips to help you get started.

On which products can a design be applied?

Often, when I explain what I do for a living, people say to me, “So you design patterns—but what do those patterns end up on? There aren’t that many surfaces, are there?” And when I start listing the products we can apply patterns to, the look on the other person’s face changes, and they say, “Oh, right—that’s true!” In reality, we don’t even notice the patterns in our daily lives anymore—they’ve become such a natural part of the scenery. So, to answer the question, “What products can you apply a pattern to?” I’d say the possibilities are endless. Patterns find their way into any space where you want to add personality and style. I think we can categorize patterns into three main categories:

Textiles and Fashion

In fashion, for example, you’ll find patterns on T-shirts, scarves, bags, shoes, hats, swimsuits, pajamas, sportswear, yoga wear, and baby clothes such as onesies. As for textiles in general, you can find patterns on fabric rolls for fabric stores, as well as on cushions, curtains, throws, bedding, dish towels, sofas, backpacks, toiletries bags, tote bags, the famous fanny packs, beach towels, bath towels, foutas, baby swaddles, tablecloths, etc.

As you can see, the list is very long; I think textiles are the category with the greatest variety in terms of pattern design.

Decor and Everyday Items

Within this category, there is a major subcategory: tableware. Indeed, we see patterns on mugs, water bottles, plates (dinner plates, dessert plates, soup bowls), bowls, glasses (water glasses, wine glasses), coasters, cups (coffee cups, espresso cups, tea cups), cups, trays, serving dishes, carafes, tablecloths, table runners, placemats, napkins, baby bibs, trivets, cookie jars, utensil jars, butter dishes, sugar bowls, teapots, and storage jars. Then, looking at everyday items from a slightly broader perspective, we find these patterns applied to phone cases, vases, rugs, planters, wallets, eyeglass cases, storage boxes, laptop or tablet cases, surfboards, skateboards, or, quite simply, on wallpaper to decorate your walls. Stationery Stationery is also a major category (one I’m particularly fond of—I can’t walk out of a stationery store without a pencil or a notebook). In this category, you’ll often find patterns on notebooks (A4, A5, A6, and other sizes), bullet journals, planners, postcards, calendars, weekly planners, notepads, to-do lists, organizers, folders, pencils of all kinds, magnets, erasers, masking tape, pencil holders, announcements (baptisms, weddings), cards (birthday, greeting, thank-you…), stationery with matching envelopes, wrapping paper, and bookmarks.

I really challenge you to not find a single pattern in your home—I think it’s impossible! I should also point out that these lists aren’t exhaustive, so let me know in the comments if I’ve missed any items!

Can designs be applied to all products?

Good news: you can put a design on almost anything! Thanks to modern printing and engraving techniques, designs can be applied to a wide variety of materials. On textiles, printing, embroidery, or screen printing produce beautiful results. On objects, sublimation printing, laser engraving, or transfers are used. Even the digital world isn’t left out: designs also adorn wallpapers, social media, and websites.

So the real question isn’t “Can we?”, but rather “Which medium is best suited to my design and my aesthetic?”

I’m not in favor of putting patterns on every existing product—I think it would be overwhelming for our eyes. Plus, the product you choose has to fit the story behind the pattern. For example, among products that don’t have patterns (at least for now—who knows?), cars come to mind—I find it so sad that we don’t personalize them more (it’s probably a matter of cost and maintenance; one scratch on a patterned door, and hello, repair bill). As for home appliances, they’re often black, gray, or white—it might be nice to have a few with a design, maybe even one with a kitchen theme.

How do you apply a design to a product?

It’s not always easy to visualize how a design will look before starting production. That’s why nothing beats a good mockup (a photo montage of a design on a blank product) for presenting a design. To do this, I use Photoshop. It’s a necessary step before moving on to production, as it helps avoid unpleasant surprises—such as issues with scale or design placement, for example. When I create designs for my clients, I always provide them with mockups on products from their specific category.

Applying a pattern to a product gives it an identity, a soul, and a touch of emotion. Whether in home decor, fashion, or stationery, patterns transform a simple object into a unique creation. That’s why, as a pattern designer and lover of beautiful things, I have only one desire: to see my patterns come to life on new surfaces. Here are a few examples of products featuring Sweet Coquelicot patterns

Here are a few examples of products featuring Sweet Coquelicot designs:

Si tu es créatif·ve, tu sais à quel point les idées peuvent parfois partir dans tous les sens (un peu comme du pop corn dans un casserole). C’est là que la planche tendance, aussi appelée moodboard, entre en scène. Véritable boussole visuelle, elle t’aide à poser tes inspirations et à donner une direction claire à ton projet. Mais au fait, pourquoi est-ce si magique de travailler avec des planches tendance ?

Qu’est-ce qu’une planche tendance?

Imagine une grande feuille blanche sur laquelle tu colles tes inspirations préférées : des couleurs qui t’attirent, des textures qui t’inspirent, des photos qui dégagent une atmosphère particulière, des typographies qui te parlent… Bref, une planche tendance, c’est un concentré d’émotions visuelles. C’est un peu comme une playlist musicale, mais pour les yeux. Elle donne le ton, l’ambiance et le style avant même que tu n’aies commencé à créer.

A quoi sert une planche tendance ?

La planche tendance, c’est ton alliée du quotidien créatif. Elle est d’une très grande aide pour :

1. Mettre de l’ordre dans ton cerveau d’artiste : quand tout fuse dans tous les sens, elle t’aide à organiser tes idées et à voir plus clair.

2. Créer une cohérence visuelle : fini les couleurs qui jurent ou les motifs qui n’ont rien à voir ensemble, tout se tient.

3. Parler la même langue que ton client : au lieu d’expliquer pendant des heures ce que tu as en tête, tu montres ta planche… et magie, tout le monde comprend.

4. Gagner du temps (et de l’énergie) : parce qu’une bonne direction au départ évite bien des détours et des frustrations.

En gros, la planche tendance, c’est un peu ton GPS créatif : elle te guide vers la destination sans passer par les routes barrées.

Comment faire des planches tendance ?

La bonne nouvelle, c’est que créer une planche tendance est aussi fun qu’inspirant ! Voici une petite méthode simple :

1. Pose ton intention : demande-toi quel est le but de ton projet.
2. Pars en chasse d’inspiration : Pinterest, magazines, photos perso… tout est bon à prendre. Pour ma part j’utilise beaucoup Pinterest <3.
3. Fais le tri (oui je sais, c’est loin d’être facile avec toutes ces belles choses que l’on voit partout !) : l’idée est de ne garder que ce qui reflète vraiment l’ambiance que tu veux transmettre.
4. Assemble tes trouvailles : sur un logiciel comme Illustrator, Procreate, Canva, Photoshop, … ou même en mode “collage papier” si tu es nostalgique.

En conclusion, travailler avec des planches tendance, c’est un peu comme écrire la première page de ton histoire créative. Tu définis le ton, l’ambiance et la direction, tout en laissant de la place à l’inattendu. Alors, la prochaine fois que tu te sens perdu·e dans tes idées, prends une planche, rassemble tes inspirations et laisse la magie opérer. Maintenant laisse-moi te montrer quelques-unes de mes planches tendance.

Quelques exemples de planches tendance

Planche tendance de la collection Sunny Summer :

Avant de démarrer les créations, je me suis posée la question de ce que j’avais envie de transmettre dans cette collection. Et je voulais : du fun, des couleurs vives, un air de vacances, un esprit marin remis au goût du jour. En bref, je voulais que mes créations apportent une sensation de bien être équivalente à celle que l’on ressent lorsque l’on est en vacances.

“What exactly is a pattern?” “Is it the same thing as an illustration?” These are questions I often hear when I talk about my work. So, I thought it would be interesting to explain it in more detail in an article.

To begin with, an illustration is simply a drawing or a visual. An illustration can be created either by hand or digitally using a wide variety of methods: pencils, paint, drawing software, collage, etc.

A pattern consists of one or more illustrations, which are arranged to create a repeating design (except in the case of a placed pattern; see further down in the article for more details on the different types of patterns).

The patterns can be used, for example, on fabric rolls, stationery items, wallpaper, or even on everyday objects (candles, tableware, packaging, etc.).

The Different Types of Patterns

There are three types of patterns, which differ in whether or not they repeat.

All-over pattern:

It is a pattern that repeats endlessly. It repeats both horizontally and vertically. As can be seen below, the strawberry pattern repeats upward, downward, to the left, and to the right.

Partially placed pattern:

This pattern repeats only horizontally. In other words, it does not repeat downward or upward, but only to the left and right.

Pattern placement:

This pattern does not repeat at all, either vertically or horizontally. The placed pattern is an illustration that can be positioned precisely. Here it is centered, but it could also be in a corner or elsewhere.

Je travaille mes motifs et illustrations à la gouache et/ou de façon digitale. Dans cet article, je vais donc vous présenter le précieux matériel que j’utilise.

Mon matériel pour les illustrations à la gouache.

Lorsque l’on travaille la gouache de façon professionnelle il est important de bien s’équiper, j’ai donc sélectionné une gouache extra-fine riche en pigments pour un rendu haut en couleurs. Il s’agit des gouaches Linel de la marque Lefranc Bourgeois. J’en suis très satisfaite, car elles sont très colorées, mais surtout fluides, opaques et avec une finition mate. Pour le moment je n’ai pas testé d’autres marques de gouaches, mais ma curiosité me poussera un jour à aller vers les marques Schmincke ou Sennelier je pense. Si vous voulez en savoir plus sur « Mes gouaches préférées » je vous invite à découvrir l’article à ce sujet !

Pour travailler la gouache il ne faut pas simplement une bonne marque de gouache, il y a deux autres éléments importants à prendre en compte : le papier et les pinceaux !

Papier : j’ai opté pour un papier spécial aquarelle pressé à froid, cela permet une absorption plus rapide, le grammage du papier est de 300g, c’est le minimum pour que le papier n’ondule pas trop. Petite astuce : scotchez votre papier à votre plan de travail pour éviter encore plus les ondulations.

Pinceaux : j’ai choisi des pinceaux en poils synthétiques, car facile d’entretien et aussi parce qu’ils retiennent un peu plus l’eau. Ma marque chouchou pour les pinceaux sont les Da Vinci. Ils ont une très bonne tenue dans le temps et leur maniabilité est très agréable je trouve. Ils ont un peu de fermeté dans leurs pointes ce qui rend les détails plus faciles à peindre. J’utilise beaucoup les pinceaux ronds de tailles: 5/0, 3/0, 1 et 3 ainsi qu’un pinceau plat de taille 10.

Quelques conseils pour prendre soin de ses pinceaux :

• Ne pas laisser tremper le pinceau trop longtemps dans l’eau.
• Rincer le pinceau dans une eau froide, en le secouant de gauche à droite, il faut éviter de l’écraser dans le fond du récipient d’eau.
• Stocker les pinceaux la tête en haut pour un séchage plus rapide et pour ne pas les abimer.

Mon matériel bonus :

• une grande tasse et un petit verre pour nettoyer les pinceaux régulièrement,
• un torchon pour essuyer délicatement la tête des pinceaux,
• du masking tape fun pour faire des contours nets sur les bords de la feuille.

Mon matériel pour les illustrations digitales ?

Pour les illustrations digitales, je me suis également bien équipée, puisque je me suis procurée il y a quelques années un Ipad Pro avec Apple pencil et sur lequel j’ai installé Procreate (un logiciel qui m’a coûté 10,99€). C’est un investissement que je ne regrette absolument pas. Je n’ai jamais eu de problème avec l’Ipad, c’est très ergonomique à l’utilisation et je peux l’emmener partout avec moi. Quant à Procreate, c’est un super logiciel avec beaucoup de possibilités (il y a énormément de brushs pour faire plein d’effets très variés). Pour la prise en main de ce logiciel j’ai seulement suivi quelques tutos sur Youtube (je vous conseille fortement les vidéos de Art with Flo) pour comprendre les bases et puis ensuite je me suis lancée à faire mes premières illustrations.

Ces outils me permettent de réaliser des illustrations et motifs professionnels et de qualité. Alors, que demander de mieux !

Je suis curieuse, dites-moi en commentaires quel est votre matériel chouchou !

La gouache qu’est-ce que c’est ?

La gouache est une peinture à l’eau, comme l’aquarelle, sauf que la gouache est plus couvrante et opaque. Avec la gouache on peut superposer différentes couleurs sans que celles-ci se mélangent. Il faut évidemment attendre que les couches sèchent, mais pour ma part je trouve cette technique offre une grande liberté.

Pourquoi je travaille avec de la gouache ?

Durant mes études, j’ai beaucoup travaillé avec l’aquarelle, j’aimais le fait de pouvoir emporter partout avec moi cette petite boîte blanche avec mon pinceau à réservoir. C’est le côté compact et pratique qui m’a plu, mais j’aimais aussi pouvoir réajuster les couleurs en rajoutant soit de l’eau, soit de la peinture. Quand je repense à mon utilisation de l’aquarelle, je me rends compte aujourd’hui que je l’utilisais avec très peu d’eau, mes illustrations n’étaient pas de fins dégradés, les couleurs étaient plutôt omniprésentes et intense. C’était peut-être là les prémisses de mon travail à la gouache qui sait !

Le fait de pouvoir travailler par couches, est une des principales raisons pour laquelle j’aime travailler la gouache. Quand j’ai une idée en tête d’illustration je me lance directement sur une feuille blanche en composant couche par couche. Cette technique me fait moins «peur», elle est facile à mettre en place et ne me met pas la pression. Par exemple si je fais une petite erreur je n’ai pas besoin de tout recommencer à zéro. Quand quelque chose ne me plaît pas, avec la gouache c’est souvent modifiable en quelques coups de pinceaux.

Une dernière chose que j’aime à propos de la gouache et qui n’est pas des moindres je trouve, c’est son côté économique. Il suffit d’un peu d’eau et hop on peut réactiver une palette de couleurs qui a séché depuis plusieurs jours. Contrairement à l’acrylique, une fois sèche on ne peut plus rien en faire. Je trouve ça dommage que de la peinture soit perdue, quand on peint il est très difficile de doser les quantités dont on a besoin pour réaliser notre illustration. Mine de rien la peinture c’est un budget, alors, Hip Hip Hip Hourra pour la gouache que l’on peut utiliser jusqu’à la dernière goutte ! En revanche, je n’ai jamais testé la peinture à l’huile, mais ça pourrait être un médium intéressant puisqu’il est malléable assez longtemps je crois.

Mon coup de coeur gouache

J’ai commencé la gouache avec un cours Domestika «Peinture à la gouache : créez des illustrations poétiques» animé par l’illustratrice Cagla Zimmermann. J’ai donc suivi les recommandations de ce cours concernant le type de gouache à utiliser, qui étaient d’utiliser des gouaches d’assez bonnes qualités, car les tubes de gouaches plus basiques sont en fait moins pigmentés. Ce qui signifie que les couleurs ressortent moins et qu’il faut parfois plus de peinture pour obtenir le rendu que l’on souhaite. Comme mon travail est basé sur la couleur, je trouvais judicieux de suivre cette recommandation et de partir sur des gouaches extra-fine. Il existe plusieurs marques pour cette qualité de gouache : Schmincke, Sennelier, Winsor & Newton, Lefranc Bourgeois. En allant faire mes petits achats de fournitures à Dalbe, il n’y avait en gouache de cette qualité que la marque Lefranc Bourgeois, donc pas le choix. Mais, je ne savais pas encore que ça allait être un énorme coup de coeur.

La gamme de gouaches extra-fine Linel de la marque Lefranc Bourgeois a une texture très agréable a utiliser, elle est lisse et onctueuse, mais surtout elle est très opaque et couvrante. C’est tellement un plaisir de l’utiliser que je n’ai pas encore testé d’autres gouaches.

Dites-moi en commentaires, ce que vous avez testé : gouache, acrylique, aquarelle ou encore la peinture à l’huile, je suis très curieuse de connaître vos retours.

Colors certainly have symbolic meanings, but does it go beyond that? Do colors play a role in our mood and emotions? Well, yes—according to Paris Neurosciences, colors have a powerful influence on our minds, and that’s great news. This means that in our everyday lives, we can surround ourselves with colors that offer a variety of benefits.

Why and how do colors influence our mood on a daily basis?

This is how we perceive colors: colors are actually light signals that pass through the eye and reach the retina. The retina, with its sensors, processes this color information and sends it to the brain. But not just to any part of the brain—the information is processed in the limbic system, which is particularly known for managing emotions. This is why we’ve noticed that, for example, when the brain perceives blue, it’s often associated with feelings of calm and tranquility, whereas when the brain perceives red, it tends to evoke emotions such as passion or anger. Thus, we can conclude that colors play an important role in our mood in everyday life.

Which color for which mood?

As a fan of cartoons, I can’t help but think of the famous Pixar film *Inside Out*, which pairs each character with an emotion—and each emotion happens to have a specific color.

So we have: yellow for joy, blue for sadness, green for disgust, red for anger, and purple for fear. But colors represent much more than just a specific emotion; they carry a whole range of symbolism and psychological connotations, some of which are more or less unconscious. Therefore, we shouldn’t rely solely on emotion, because each color can have multiple symbolic meanings. Here is a general overview of the symbolism associated with a few of the main colors.

Red: energy, love, fire, strength, sensuality, dynamism.

Blue: trust, harmony, stability, calm, relaxation.

Yellow: cheerfulness, joy, brightness, happiness.

Green: life, nature, hope, prosperity, soothing, revitalizing, harmony.

So, how can you use colors effectively?

When it comes to space, we often associate a room with a desired atmosphere. For example, in an office, we want to foster concentration and productivity. To achieve this, it’s best to use green or blue. For a living room where we want to create a welcoming atmosphere, shades of yellow or orange are perfect for a boost of energy.

Of course, you shouldn’t rely solely on this and choose only blue in the hope of having a completely relaxing life; rather, it’s about playing with colors to make them work in your favor. After all, just because blue is generally recommended for spaces that require concentration doesn’t mean you have to follow that rule to the letter. I think it’s also about adding your own personal touch. I don’t know if this is true for you as well (let me know in the comments), but sometimes I’ll fall in love with a particular shade of pink, and using that pink on a wall or a decorative element brings me that personal touch of happiness. Not to mention that there are an infinite number of shades of blue—some are warmer, others more soothing. That’s kind of what I’m talking about in the article “I Don’t Have a Favorite Color,” because personally, I love some blues and hate others. Time also plays a big role—at one point in my life I might love red, and then 10 years later I might hate it.

So, to sum up, colors definitely have an effect on your daily mood, but it’s also up to each of us to figure out which colors are good for us.

So, tell me in the comments—what are your must-have colors right now? Personally, I’m all about vibrant colors these days—I think you’ve probably noticed that if you’ve taken a look at my portfolio.

Sources: https://paris-neuroscience.fr/neuroscience/les-choix-de-couleur-peuvent-ils-influencer-votre-moral-la-science-cognitive-dit-oui/#:~:text=Studies%20have%20shown%20that,’%C3%A9nergie%20et%20d’enthousiasme.